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Tattoos were a prevalent art form in pre-Hispanic South America exemplified by mummified human remains with preserved skin decoration that reflects the personal and cultural representations of their times. Tattoos are known to fade and bleed over time and this is compounded in mummies by the decay of the body, inhibiting the ability to examine the original art. Laser-stimulated fluorescence (LSF) produces images based on fluorescence emitted from within the target. Here, we present the first results of applying LSF to tattoos on human remains from the pre-Columbian Chancay culture of coastal Peru. We find that the preserved skin fluoresced strongly underneath the black tattoo ink yielding a high-contrast image that virtually eliminates the ink bleed, revealing the exceptionally fine details of the original artwork. The level of detail and precision of the artwork was found to be higher than associated pottery, textiles, and rock art suggesting special effort was expended by the Chancay on at least some of their tattoos. This suggests artistic complexity in pre-Columbian Peru was at a higher level than previously known, expanding the degree of artistic development found in South America at this time. LSF expands the scope of tattoo analysis and the level of detail this can yield providing a new technique to gain further insights into this important art form.

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Environmental Education (EE) is key for biodiversity conservation. We aimed to evaluate the effect of an EE activity on students by evaluating their drawings. The EE activity was part of the Blonde Capuchin Project actions, which focuses on the research and conservation of the endangered blonde capuchin monkey, Sapajus flavius. The activity was comprised of four steps and lasted four hours in each school. We analysed 348 drawings made by children from eight schools in rural areas close to forest fragments inhabited by Blonde Capuchins in two municipalities in Northeast Brazil, Igarassu-PE and Mataraca-PB. The children made the drawings during the intervention in each school, specifically in steps 1 and 4 of the activity. We scored the drawings using a rubric to account for the presence of components (biotic and abiotic) and interactions (e.g., human-environment and non-human animal interactions). As an outcome of the EE activity, we found a possible increase in knowledge and awareness through the evaluation of the drawings. Thus, when resources are limited, we encourage the performance of short-term EE activities and the analysis of drawings as a tool to measure their immediate effect.

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Occupational gender stereotypes develop from early age and contribute to occupational gender imbalance. Previous research used questionnaires or interviews to investigate children's explicit stereotypes and where drawings have been used, mostly men-dominated occupations have been considered. This study used drawings and interviews to assess implicit stereotypes of both men and women-dominated occupations and whether children's sex, age and cultural background predicted these stereotypes. Two hundred and forty-three 6-to-7-year-olds and 10-to-11-year-olds in Britain and Argentina-encompassing both Global South and Global North perspectives- drew five human figures: (i) person of their choice, (ii) dancer, (iii) nanny (iv) firefighter and (v) pilot. In interviews, children confirmed and justified their gender choices for each drawing. Results indicate gender stereotypes in children from both countries, especially towards women-dominated occupations. Girls exhibited more rigid gender views than boys. These findings suggest widespread and culturally consistent occupational gender stereotypes, potentially limiting children's future job choices.

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Gabriel García Márquez, un maestro indiscutible del realismo mágico, ha creado un mundo literario en el que se mezclan de manera intrincada lo extraordinario, lo mundano, lo real y lo imaginario, pero sin embargo podemos colegir que en medio de todo el "realismo mágico" hay aspectos auténticos que soportan cada descripción como bien lo afirma cuando manifiesta en una de sus frase "En ninguno de mis libros hay una sola línea que no tenga su origen en un hecho real." Los médicos aparecen en este mundo mágico no solo como personajes secundarios en la obra, o como producto de los mitos, sino como símbolos con múltiples significados. Los médicos son representaciones de la intersección entre la ciencia, la magia, el arte, la modernidad y la tradición, la racionalidad y la locura en la obra de García Márquez. A través de sus acciones y presencia, nos invitan a pensar en la condición humana, la lucha contra lo desconocido y los límites del conocimiento.

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El arte tiene la gran ventaja de generar diferentes percepciones, según quien lo contemple. No es propiedad exclusiva del creador, también del observador. El arte germina, nace, crece y se desarrolla. En esta edición de MedUNAB, dedicada a la salud materna, la interpretación de la portada será única para cada observador (Figura 1). Para mí, en esta obra se introduce un útero como sujeto principal, en blanco y negro, basado en patrones y elaborado con bolígrafo de tinta. El fondo, que es creación digital, muestra un degradado de lila y verde, colores que representan la maternidad y la vida, respectivamente. Entre estos colores se encuentra un mosaico de orquídeas creado con acuarela digital (Tayasui Sketches). La combinación de técnicas físicas y digitales ­una creada en 2012 y la otra en 2024 ­ ilustra la evolución y la persistencia en el tiempo. El fondo de orquídeas simboliza la conexión con Colombia y su biodiversidad, así como mi vínculo personal con mi abuela y mi mamá. El útero, como núcleo de la vida, refleja el inicio de la existencia. Su representación en blanco y negro resalta tanto la belleza como la fragilidad del proceso de dar vida. El arte invita a reflexionar sobre la importancia de la salud materna en el mundo científico, social y político.

Art can generate different perceptions, depending on who contemplates it. It is not the creator's exclusive property but also the observer's. Art germinates, is born, grows, and develops. In this edition of MedUNAB, dedicated to maternal health, the interpretation of the cover will be unique for each observer (Figure 1). In this work, a uterus is introduced as the main subject, in black and white, based on patterns and elaborated with ink pen. The background, which is a digital creation, shows a gradient of lilac and green, colors that represent motherhood and life, respectively. Between these colors is a mosaic of orchids created with digital watercolor (Tayasui Sketches). The combination of physical and digital techniques - one created in 2012 and the other in 2024 - illustrates evolution and persistence over time.

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Audio description improves access to visual culture for people who are unable to fully participate in it due to visual impairments. Because of this direct benefit to disabled people, it is usually defined as an accommodation or inclusion service. Rather than adopting this view, we see disability as a creative force, arguing that it can engender a new dimension of art: audio description as a form of cinematic ekphrasis. This claim is made by drawing on the 2017 movie Radiance, by Japanese director Naomi Kawase. This movie puts audio description in the spotlight and stimulates discussion on this underdeveloped and under-recognised art. Radiance is structured around the process of making the audio description, thus offering good insight into the artistry and main challenges of this process. Between the words of this meditation on the art of audio description, Kawase also challenges the dominant ocular normative narrative on blindness as a deficiency and provokes a discussion on the contribution that blindness-with its different, still culturally unexplored modes of perception-could make to the interpretation of visual arts. Radiance can thus be treated as an artful argument for the greater recognition of disabled people's right to participate in cultural life.

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A Psicologia Histórico-cultural da Arte, conforme elaborada por L. S. Vigotski, propõe um método explicativo para o estudo da vivência estética. Com o objetivo de ampliar o campo de investigação metodológica da psicologia da arte, partimos da interposição do conceito vigotskiano de vivência estética com o método de análise de unidades. Além disso, o fenômeno da intertextualidade e as dimensões histórico-culturais são tomados como elementos estruturantes para a investigação e interpretação do material empírico. Com base na premissa vigotskiana de que a vivência estética está articulada com a produção de novos sentidos, as contribuições de Antonio Candido são trazidas considerando o movimento estabelecido entre autor-obra-público, e incorporando as funções total, social e ideológica da literatura. Como contribuição metodológica, propomos que a vivência estética seja investigada, para além da destruição do conteúdo pela forma. Por fim, referendamos à obra como um sistema vivo, ao autor como uma função e ao leitor como um cocriador e, por isso, ativo no processo da vivência estética.

The historical-cultural psychology of art, as developed by L.S. Vygotsky, proposes an explanatory method for the study of aesthetic experience. In order to expand the methodological investigation field of the psychology of art, we start from the interposition of the Vygotskian concept of aesthetic experience with the unit analysis method. Furthermore, the phenomenon of intertextuality and the historical-cultural dimensions are taken as structuring elements for the investigation and interpretation of empirical material. Based on the Vygotskian premise that aesthetic experience is connected to the production of new senses, the contributions of Antonio Candido are brought in, considering the established movement between author-work-public and incorporating the total, social, and ideological functions of literature. As a methodological contribution, we propose to investigate the paths taken by aesthetic perezhivanie, beyond those of the destruction of content through form. Finally, we regard the work of art as a living system, the author as a function, and the reader as a co-creator, thus actively involved in the process of aesthetic experience.

La psicología histórico-cultural del arte, tal como fue elaborada por L. S. Vigotski, propone un método explicativo para el estudio de la experiencia estética. Con el objetivo de ampliar el campo de investigación metodológica de la psicología del arte, partimos de la interposición del concepto vigotskiano de experiencia estética con el método de análisis de unidades. Además, el fenómeno de la intertextualidad y las dimensiones histórico-culturales son considerados como elementos estructurantes para la investigación e interpretación del material empírico. Basándonos en la premisa vigotskiana de que la experiencia estética está articulada con la producción de nuevos sentidos, se traen las contribuciones de Antonio Candido considerando el movimiento establecido entre autor-obra-público, y incorporando las funciones total, social y ideológica de la literatura. Como contribución metodológica, proponemos que la vivencia estética sea investigada más allá de la destrucción del contenido por la forma. Por último, nos referimos a la obra como un sistema vivo, al autor como una función y al lector como un co-creador y, por lo tanto, activo en el proceso de la experiencia estética.

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A violência policial se constitui como um fenômeno marcado por discriminações quando voltados para corpos negros, visando o controle desses corpos através da violência. A pesquisa buscou compreender como se configura a saúde mental da população negra frente à essa violência, bem como sua relação com o racismo. Como método, numa perspectiva qualitativa, utilizou-se a revisão narrativa de inspiração cartográfica, que consistiu na utilização de fontes de informações bibliográficas para fundamentar teoricamente o trabalho, de forma a possibilitar a compreensão do "estado da arte" do objeto estudado. A arte, sobretudo as letras de rap, auxiliaram nesse processo de apreensão do fenômeno. Com isso, pôde-se analisar a raça como um fator primordial na construção da desigualdade, que se materializa na polícia militar enquanto instituição. A militarização da polícia se revela como um aparato de opressão seletiva da população negra, possuindo forte influência em sua saúde mental. Além da adoção de medidas tecnológicas para o enfrentamento do problema, observou-se que a arte se apresenta como uma forte aliada na conscientização, pertencimento, refúgio e luta para quem se encontra em meio ao campo de batalha.

Police violence is a phenomenon marked by discrimination when it targets black bodies, aiming to control these bodies through violence. The research sought to understand how the mental health of the black population is configured in the face of this violence, as well as its relationship with racism. From a qualitative perspective, the method used was a cartographically-inspired narrative review, which consisted of using bibliographic sources of information to provide a theoretical basis for the work, in order to make it possible to understand the "state of the art" of the object studied. Art, especially rap lyrics, helped in this process of understanding the phenomenon. As a result, it was possible to analyze race as a key factor in the construction of inequality, which materializes in the military police as an institution. The militarization of the police reveals itself as an apparatus of selective oppression of the black population, with a strong influence on their mental health. In addition to the adoption of technological measures to tackle the problem, it was observed that art is a strong ally in raising awareness, belonging, refuge and struggle for those who find themselves in the middle of the battlefield.

La violencia policial es un fenómeno marcado por la discriminación cuando se dirige a los cuerpos negros, con el objetivo de controlarlos mediante la violencia. La investigación buscó comprender cómo se configura la salud mental de la población negra frente a esta violencia, así como su relación con el racismo. Desde una perspectiva cualitativa, el método utilizado fue una revisión narrativa de inspiración cartográfica, que consistió en utilizar fuentes bibliográficas de información para fundamentar teóricamente el trabajo, con el fin de permitir la comprensión del "estado del arte" del objeto estudiado. El arte, especialmente las letras de rap, ayudaron en este proceso de comprensión del fenómeno. Como resultado, fue posible analizar la raza como factor clave en la construcción de la desigualdad, que se materializa en la policía militar como institución. La militarización de la policía se revela como un aparato de opresión selectiva de la población negra, con fuerte influencia en su salud mental. Además de la adopción de medidas tecnológicas para enfrentar el problema, se observó que el arte es un fuerte aliado en la sensibilización, pertenencia, refugio y lucha de aquellos que se encuentran en medio del campo de batalla.

RESUMO

Among many contributions to the world of art and science, Renaissance artist Leonardo da Vinci created the technique known as sfumato. In this technique, da Vinci considered that the regions to be highlighted should be lit up, while the regions to be hidden should be darkened. Drawing parallel with the face, we can work on the anatomical structures underlying the skin and create a favorable surface anatomy for the entire face, including the nose. However, to achieve the ideal hourglass shape of the nose, the bones must be shaped, and a variety of osteotomies are described and used to achieve this. The new and innovative Fish Bone technique, described in this article, allows for the bony nasal pyramid to be shaped and adapted to the hourglass shape, resulting in a harmonious contour, with smooth transitions and preservation airway.

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Objetivo: apontar as contribuições das artes plásticas na disseminação dos jogos e brincadeiras tradicionais, com base em pinturas de artistas nacionais, e sugerir estratégias de releitura e ressignificação para difundi-los no contexto da Educação Física. Metodologia: O estudo teve uma natureza qualitativa e foi desenvolvido por meio de pesquisas bibliográfica e exploratória, realizada em sites constantes do portal de buscas Google, aplicando-se os descritores relativos a pinturas de jogos tradicionais e pinturas de crianças brincando. Resultados e discussão: A amostra intencional foi composta pelas obras de 05 pintores brasileiros, famosos por retratarem cenas de crianças em dinâmicas de expressão da ludicidade, focalizando jogos e brincadeiras tradicionais. Foram sugeridas estratégias de releitura dessas obras, a partir de jogos sensitivo-expressivos e da produção de histórias em quadrinhos. Conclusão: Os dados analisados descritivamente ressaltam que, esse conteúdo pautado nas artes plásticas, atividades expressivas e quadrinhos, pode favorecer subsídio adequado para aquisição e difusão de conhecimento sobre jogos tradicionais, sobretudo no contexto da Educação Física

Objective: to point out the contributions of the visual arts in the dissemination of traditional play and games, based on paintings by national artists, and to suggest strategies for reinterpretation and reframing to disseminate them in the context of Physical Education. Methodology: The study had a qualitative nature and was developed through bibliographical and exploratory researches, carried out on websites listed on the Google search portal, applying the descriptors relating to paintings of traditional games and paintings of children playing. Results and discussion: The intentional sample was composed of the works of 05 Brazilian painters, famous for portraying scenes of children in playful activities, focusing on traditional play and games. Strategies for rereading these works were suggested, based on sensitive-expressive games and the production of comic books. Conclusion: Data were descriptively analyzed and highlights that this content involving visual arts, expressive activities and comics can provide adequate support for the acquisition and dissemination of knowledge about traditional games, especially in the context of Physical Education.

Objetivo: señalar los aportes de las artes visuales en la disseminación de juegos y juegos tradicionales, a partir de pinturas de artistas nacionales, y sugerir estrategias de reinterpretación y replanteamiento para difundirlos en el contexto de la Educación Física. Metodología: El estudio tuvo carácter cualitativo y se desarrolló a través de investigación bibliográfica y exploratoria, realizada en sitios WEB listados en el portal de búsqueda Google, aplicando los descriptores relacionados a pinturas de juegos tradicionales y pinturas de niños jugando. Resultados y discusión: La muestra intencional estuvo compuesta por las obras de 05 pintores brasileños, famosos por retratar escenas de niños en actividades lúdicas, centrándose en los juegos y juegos tradicionales. Se sugirieron estrategias de relectura de estas obras, basadas en juegos sensibles-expresivos y en la producción de cómics. Conclusión: Los datos analizados descriptivamente resaltan que estos contenidos que involucran artes visuales, actividades expresivas y cómics pueden ofrecer un soporte adecuado para la adquisición y difusión de conocimientos sobre los juegos tradicionales, especialmente en el contexto de la Educación Física.

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Abstract Objective To reveal the image of nursing professionals in Chile through the analysis of children's drawings. Method This is an exploratory qualitative study, involving the collection of information through nine drawings made by children aged between 7 and 10 years, using free technique, and then were analyzed with the Iconographic Method proposed by Erwin Panofsky. Results Most drawings depict clinical activities of nurses, focusing predominantly on the technical dimension of the profession. Although nursing is commonly associated with a mostly female occupation, permeated by gender stereotypes, some participants were able to identify the presence and importance of the male role in this professional field. No iconographic elements were identified that would reinforce stigmas associated with nursing professionals, such as the view that they are supporters, aides, or mere medical assistants. Conclusions and implications for practice Children's drawings serve as a reflection of the collective imagination of society. By studying them in relation to nursing, we can identify the advances of the profession and glimpse its near future. This research contributes to understanding the current image of the profession in society, and allows an analysis that goes further, helping to establish future directions and the evolution of this collective perception.

Resumo Objetivo Revelar a imagem do profissional de enfermagem no Chile por meio da análise iconográfica de desenhos infantis. Método Estudo qualitativo exploratório, envolvendo a coleta de informações por meio de nove desenhos elaborados por crianças com idades entre 7 e 10 anos, utilizando técnica livre e posteriormente examinados com base no Método Iconográfico proposto por Erwin Panofsky. Resultados A maioria retrata as atividades clínicas do enfermeiro, enfocando predominantemente em sua dimensão técnica. Embora a enfermagem seja comumente associada a uma ocupação majoritariamente feminina, permeada por estereótipos de gênero, alguns participantes conseguiram identificar a presença e a importância do papel masculino nesse campo profissional. Não foram identificados elementos iconográficos que reforçassem estigmas associados aos profissionais de enfermagem, como a visão de serem simples assistentes, ajudantes ou meros auxiliares dos médicos. Conclusões e implicações para a prática Os desenhos infantis são reflexo do imaginário coletivo da sociedade. Ao estudá-los em relação à enfermagem, podemos identificar avanços na profissão e vislumbrar seu futuro próximo. Esta pesquisa contribui para compreender a imagem atual da profissão na sociedade e possibilita uma análise que ajuda a estabelecer direções futuras e a evolução dessa percepção coletiva.

Resumen Objetivo Revelar la imagen de los profesionales de enfermería en Chile a través del análisis de dibujos infantiles. Método Estudio cualitativo exploratorio, que involucra la recolección de información a través de nueve dibujos en técnica libre realizados por niños entre siete y diez años, posteriormente analizados mediante el Método Iconográfico propuesto por Erwin Panofsky. Resultados La mayoría representa las actividades clínicas de las enfermeras, centrándose predominantemente en la dimensión técnica. Aunque la enfermería se asocia comúnmente a una ocupación mayoritariamente femenina, impregnada de estereotipos de género, algunos participantes identificaron la presencia y la importancia del papel masculino en la profesión. No se identificaron elementos iconográficos que reforzaran estigmas asociados a los profesionales de enfermería, como la visión de que son simples asistentes, ayudantes o meros auxiliares médicos. Conclusiones e implicaciones para la práctica Los dibujos son reflejo del imaginario colectivo de la sociedad. Al estudiarlos en relación con la enfermería, podemos identificar avances en la profesión y vislumbrar su futuro próximo. Esta investigación contribuye a comprender la imagen actual de la profesión en la sociedad y permite un análisis que ayuda a establecer las orientaciones futuras y la evolución de esta percepción colectiva.

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Resumo Este artigo foi desenvolvido com o objetivo de pensar que a escrita de um caso clínico em psicanálise precisa considerar os elementos estéticos e políticos para se manter precisa em relação à ética da psicanálise. Para tanto, faremos aproximações entre o conceito de Inconsciente de Sigmund Freud e de Inconsciente Estético, proposto pelo filósofo francês Jacques Rancière. Assim, num primeiro momento será apresentado, de forma breve, o inconsciente estético e a psicanálise. Em um segundo momento, vamos apresentar os apontamentos de Rancière sobre estética e promover possíveis articulações entre o filósofo e Freud, a partir do que eles conceituam sobre o inconsciente. Finalmente, vamos pensar como o caso clínico pode ser observado a partir dessa ótica, investigando a respeito das articulações entre Inconsciente e Inconsciente Estético.

Abstract This article aims to think that the writing of a clinical case in psychoanalysis needs to consider the aesthetic and political elements to remain accurate regarding the ethics of psychoanalysis. To this end, we will make approximations between the concept of the Unconscious of Sigmund Freud and the Aesthetic Unconscious, proposed by the French philosopher Jacques Rancière. Thus, first we will present a brief presentation on the aesthetic unconscious and psychoanalysis. In a second moment, we will present Rancière's notes on aesthetics and promote possible articulations between the philosopher and Freud, from what they conceptualize about the unconscious. Finally, we will consider how the clinical case can be observed from this perspective that we propose, of investigating about the articulations between the Unconscious and the Aesthetic Unconscious.

Resumen Este artículo tiene por objetivo discutir que la escrita de un caso clínico en psicoanálisis necesita considerar los elementos estéticos y políticos para permanecer fiel a la ética del psicoanálisis. Para ello, se realizará una breve presentación sobre el concepto de inconsciente, de Sigmund Freud, y el inconsciente estético propuesto por Rancière. Primero, se presenta de forma breve el inconsciente estético y el psicoanálisis. Después, se expone los planteamientos de Rancière acerca de la estética y se hace posibles articulaciones entre el filósofo y Freud desde sus ideas sobre el inconsciente. Por último, se discutirá cómo se puede observar el caso clínico desde esta perspectiva que se propone investigar las posibles articulaciones entre el inconsciente y el inconsciente estético.

Résumé Cet article a le but de penser que l'écriture d'un cas clinique en psychanalyse doit tenir compte des éléments esthétiques et politiques pour rester juste par rapport à l'éthique de la psychanalyse. Dans ce but, nous ferons des approximations entre le concept d'Inconscient de Sigmund Freud et l'Inconscient Esthétique, proposé para the philosophe français Jacques Rancière. Donc, dans un premier temps, nous ferons un bref exposé sur l'inconscient esthétique et la psychanalyse. Deuxièmement, nous présenterons les notes de Rancière sur l'esthétique et nous soutiendrons les articulations possibles entre le philosophe et Freud, à partir de ce qu'ils conceptualisent sur l'inconscient. Enfin, nous réfléchirons comment le cas clinique peut être observé dans la perspective que nous proposons, d'étudier sur les articulations de l'Inconscient et l'Inconscient Esthétique.

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Este artigo tem por objetivo provocar a discussão acerca do papel protagonista que exerceu e exerce o sujeito popular na América Latina e o Caribe, a partir da demarcação histórica da relação do popular com os processos revolucionários do continente, em especial o da Revolução Mexicana. Para tanto, será realizado um exercício de visualização de uma fotografia (anônima), uma arte mural (de Diego Rivera) e uma xilogravura (de Posada). Neste texto, afirma-se o popular como o universo dos sujeitos que, vinculados à superexploração a partir do trabalho formal ou informal, demarcam, tanto a condição do extrato social mais violentado do modo de produção capitalista (condição periférica em geral, e periférica urbana em particular), como as histórias de resistências, experiências cotidianas de sobrevivência, em meio à hegemonia do capital. Metodologicamente, o desenvolvimento será desdobrado a partir de uma pergunta geradora, fornecida pelo cubano Alejo Carpentier: ¿Pero qué es la historia de América toda sino una crónica de lo real-maravilloso?

This article aims to provoke discussion about the leading role played by popular subjects in Latin America and the Caribbean, based on the historical demarcation of the relationship between the popular and the revolutionary processes on the continent, especially the Mexican Revolution. To this end, an exercise will be carried out to visualize a photograph (anonymous), a mural art (by Diego Rivera) and a woodcut (by Posada). In this text, the popular is stated as the universe of subjects who, linked to super-exploitation through formal or informal work, demarcate, in the most violated social stratum of the capitalist mode of production (peripheral condition in general, and urban peripheral in particular) , the stories of resistance, experiences, even amid the hegemony of capital. Methodologically, the development will be unfolded based on a generating question, provided by the Cuban Alejo Carpentier: But what is the history of America if not a chronicle of the real-wonderful?

Este artículo pretende provocar una discusión sobre el papel protagónico que juega y desempeña el sujeto popular en América Latina y el Caribe, a partir de la demarcación histórica de la relación entre los procesos populares y los revolucionarios en el continente, especialmente la Revolución Mexicana. Para ello se realizará un ejercicio de visualización de una fotografía (anónima), un arte mural (de Diego Rivera) y una xilografía (de Posada). En este texto, lo popular se plantea como el universo de sujetos que, vinculados a la superexplotación a través del trabajo formal o informal, demarcan, en el estrato social más vulnerado del modo de producción capitalista (condición periférica en general, y periférica urbana en general). en particular), las historias de resistencia, las experiencias, incluso en medio de la hegemonía del capital. Metodológicamente, el desarrollo se desarrollará a partir de una pregunta generadora, aportada por el cubano Alejo Carpentier: ¿Pero qué es la historia de América sino una crónica de lo real-maravilloso?

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O interesse de B. F. Skinner pela arte pode ser observado em diferentes publicações, com destaque para o livro Walden two (1948). Nele, Skinner considera as produções artísticas fundamentais para o estabelecimento de um ambiente social igualitário e feliz, mencionando, por consequência, uma pluralidade de obras de arte. Dada a relevância teórico-científica do livro, bem como sua diversidade artística, este artigo buscou compreender a arte descrita em Walden two com base nas vertentes artísticas tradicionais do classicismo e do romantismo. Trechos do livro que mencionavam palavras-chave associadas à arte foram compilados em tabelas e analisados de acordo com atributos clássicos e românticos, descritos por textos especializados. Foram identificadas seis principais modalidades artísticas na ficção skinneriana (literatura, teatro, música, artes plásticas, arquitetura e moda), que apresentam similaridades com o racionalismo clássico e o sentimentalismo romântico, bem como outras características que as diferenciam dessas vertentes. Conclui-se, assim, que a arte de Walden two está situada em um pluralismo artístico, que também indica a possibilidade de o comportamentalismo radical ser interpretado como uma filosofia da arte.(AU)

B. F. Skinner's interest in artistic productions can be seen in different publications, with the book Walden two (1948) standing out. In it, Skinner considers the artistic production for establishing an equalitarian and happy social environment, mentioning, thus, an array of artworks. Given the theoretical-scientific relevance of the book, as well as its artistic diversity, this article aimed understand the artworks described in Walden two based on a classic and romantic traditional artistic styles. Excerpts of the book that mentioned keywords related to art were researched and compiled in tables and analyzed according to classical and romantic attributes, described by specialized texts. Six main artistic categories were identified in Skinnerian fiction (literature, theater, music, visual arts, architecture, and fashion), that show similar characteristics to classic rationalism and romantic sentimentalism, as well as other characteristics that differentiate them from these strands. In conclusion, the art on Walden two exists in a state of artistic pluralism, which also highlights the possibility of radical behaviorism being interpreted as a philosophy of art.(AU)

El interés de B. F. Skinner por el arte puede ser observado en diferentes publicaciones, especialmente en el libro Walden two (1948). El autor plantea en esta obra las producciones artísticas fundamentales para el establecimiento de un entorno social igualitario y feliz, mencionando, en consecuencia, una pluralidad de obras de arte. Dada la relevancia teórico-científica del libro, así como su diversidad artística, este artículo busco comprender el arte descrito en Walden two desde las corrientes artísticas tradicionales del clasicismo y el romanticismo. Los extractos del libro que mencionaban palabras clave asociadas con el arte se recopilaron en tablas y se analizaron de acuerdo con los atributos clásicos y románticos descritos por textos especializados. Se identificaron seis modalidades artísticas principales en la ficción skinneriana (literatura, teatro, música, artes plásticas, arquitectura y moda), que presentan similitudes con el racionalismo clásico y el sentimentalismo romántico, así como otras características que las diferencian de estas vertientes. Así, se concluye que el arte de Walden two se sitúa en un pluralismo artístico, lo que destaca la posibilidad de que el conductismo radical sea interpretado como una filosofía del arte.(AU)

RESUMO

Caminhar é estar em movimento para a vivência de encontros com o esperado e com o inesperado. Encontrar-se com existências e produções negras acabou sendo o objetivo da tese que se iniciou com o questionamento acerca do que acontece com o pesquisador quando está com uma pesquisa de perspectiva cartográfica em curso. Temos nas páginas desta tese o que aconteceu comigo, Ayubu: uma abertura e um interesse vital pelas produções e existências negras naquilo que elas podiam me dizer e transmitir e, ainda, naquilo que elas de algum modo diziam de meus modos de perceber e agir no mundo. Assim, transver a si refere-se ao um exercício sobre si, no sentido de um processo de atualização de potências em diferentes direções para um pensar-experimentar produção de subjetividades. Os caminhos de Ayubu dizem de encontros com um conjunto de gentes dentro e fora da academia, nas artes e também fora dela que estão a produzir e a pensar um país e, porque não, mundos.

To walk is to be in movement to experience encounters with the expected and the unexpected. Meeting with existences and black productions was the objective of the thesis that began with the questioning about what happens to the researcher when he is with a cartographic perspective research in progress. We have in the pages of this thesis what happened to me, Ayubu: an openness and a vital interest in black productions and existences in what they could tell me and transmit and, also, in what they somehow said of my ways of perceiving and acting in the world. Thus, "transver a si (itself)" refers to an exercise on itself, in the sense of a process of updating potency in different directions for a think-experience production of subjectivities. Ways of Ayubu tell of encounters with a group of people inside and outside the academy, in the arts and also outside it that are producing and thinking a country and, why not, worlds.

RESUMO

A arte e a literatura estão presentes de maneira significativa, tanto em Freud quanto em Lacan, entretanto elas se inscrevem de diferentes formas nas duas teorias, isso pode ser melhor observado quando os autores se debruçam sobre uma mesma obra, como Hamlet de William Shakespeare. Além desta, Macbeth é outro drama shakespeariano que interessará a Freud por conta da personagem de Lady Macbeth. Diante disso, o artigo analisou as interpretações de Freud acerca dessas duas tragédias shakespearianas, assim como as de Lacan sobre Hamlet, investigando algumas particularidades acerca de relações com a arte e com a literatura. Embora impliquem em interpretações diversas, essas obras reúnem elementos importantes e por vezes com um valor de exemplo paradigmático para reflexões no campo da psicanálise

Both Freud and in Lacan make extensive, albeit different, use of art and literature in their theories. This can be better observed when they focus on the same work, such as Hamlet and, in Freud's case, Macbeth by William Shakespeare. Thus, this article analysed Freud's readings of these two Shakespearean tragedies, as well as Lacan's analysis of Hamlet, investigating some particularities about their relations with art and literature. Despite differences in interpretation, these works bring together important elements valuable as a paradigmatic example of psychoanalytic reflections

Freud et Lacan font tout deux un usage intensive, mais différent, de l'art et la littérature dans leurs théories. Cela peut être mieux lorsque les auteurs se concentrent sur la même œuvre, comme Hamlet et, dans le cas de Freud, Macbeth de William Shakespeare. Cet article donc analyse la lecture de Freud de ces deux tragédies shakespeariennes, ainsi que l'analyse de Lacan sur Hamlet, en étudiant certaines particularités de leurs relations avec l'art et la littérature. Bien qu'ils impliquent des interprétations différentes, ces travaux rassemblent des éléments importants et ont parfois valeur d'exemple paradigmatique pour les réflexions psychanalytiques

El arte y la literatura están presentes de manera significativa, tanto en Freud como en Lacan, sin embargo se inscriben de diferentes formas en ambas teorías, esto se puede observar mejor cuando los autores se enfocan en una misma obra, como Hamlet de William Shakespeare. Además de esto, Macbeth es otro drama de Shakespeare que a Freud le interesará por el personaje de Lady Macbeth. Por tanto, el artículo analizó las interpretaciones de Freud sobre estas dos tragedias de Shakespeare, así como las interpretaciones de Lacan sobre Hamlet, investigando algunas particularidades sobre sus relaciones con el arte y la literatura. Aunque implican diferentes interpretaciones, estas obras reúnen elementos importantes y, en ocasiones, con el valor de un ejemplo paradigmático para las reflexiones en el campo del psicoanálisis

RESUMO

RESUMO: O presente artigo visa abordar a impossibilidade de representação da Coisa subjacente aos objetos criados e a elucidação da sublimação como o destino pulsional capaz de revelar a estrutura faltante do aparelho psíquico, especialmente, via a peculiaridade da arte. Além disso, objetiva-se a produção de analogias entre a formulação de Lacan acerca da sublimação como elevação de um objeto à dignidade da Coisa e a descrição do mecanismo subjetivo e subjacente à coisa artística pelo artista Marcel Duchamp, através de seu esclarecimento da essência do "ato criador".

ABSTRACT: This article aims to address the impossibility of representing the Thing underlying created objects and to elucidate sublimation as the drive's path that can reveal the missing structure of the psychic apparatus, especially, through the particularity of art. Furthermore, it seeks to produce analogies between Lacan's formulation of sublimation as the elevation of an object to the dignity of the Thing and Marcel Duchamp's description of the subjective mechanism underlying the artistic object, through his clarification of the essence of the "creative act".

RESUMO

Resumo: Este artigo retoma a pulsão de apoderamento, compreendendo sua ação como potência criacionista e força atuante desde as origens da vida psíquica. Partimos de Freud e outros autores contemporâneos para explorá-la, indicando sua atividade criacionista no psiquismo, o qual reaparece em um fazer particular da clínica. Metodologicamente, recorremos ao trabalho da arte e do brincar, demonstrando a especificidade de tal pulsão e esclarecendo sua dinâmica. Por fim, sublinhamos as expressões da criação em duas direções, uma que reduz as posições do sujeito na cultura, culminando nos sintomas, e a outra, da criação na insistência rumo à reinvenção, além das repetições.

Abstract: This article takes up the drive for empowerment, understanding its action as a creationist power, and an active force since the origins of psychic life. We start with Freud and other contemporary authors to explore it, indicating their creationist activity in the psyche, which reappears in a particular practice in the clinic. Methodologically, we resorted to the work of art and play, demonstrating the specificity of such drive, clarifying its dynamics. Finally, we underline the expressions of creation in two directions, one that reduces the subject's positions in culture, culminating in symptoms, and the other vector, of creation in the insistence towards reinvention. in addition to repetitions.